4月中旬的北京

今年，日常出行频率的降低，让我们对周遭自然界变化的感知，变得敏锐起来。

朋友圈又开启了一年一度的赏花街拍大赛。缤纷的色彩和花朵挂在枝头，城市里，哪怕在一些极细小的角落，也会有鲜花盛开。满眼繁花，流光溢彩，闪动着生命的妩媚和热情，让这个春天特别疗愈。植物的生命力和绽放的色彩，正在为人们的生活，加油打气。

对富有生活情趣的人来说，赏花，是再自然随意不过的事。但是，一般人看到好看的花，顶多驻足停留，或发出一句赞叹，或拿出手机，将此刻的娇艳定格。美的观感转瞬即逝，因为生活中的琐事或头脑里冒出的下一个念头，很快会把我们带跑。艺术家则不然，同是看花，他们总能看出、玩出许多花样。

|最有生活品位的宋人

|簪花、插花是时尚

苏汉臣 《妆靓仕女图》 美国波士顿艺术博物馆

在中国所有的古人里，若论生活品位，非宋人莫属。小小花事，对宋代人来说可是全民风尚。他们不仅在自然中赏花，更会将花草带回家中，悉心摆弄，精心挑选盛放的瓷瓶花器，将生活空间点缀地活色生香，意趣盎然；而将花朵簪在发间，俏皮又别致，更是当时街头流行的装扮。这份“簪花”的习惯，不论男女，不分贵贱，上至君主、士大夫，下至市井小民，都以簪花为时尚，以此为美。这份乐活与雅兴是他们生活中很重要的一部分。

宋佚名《人物图册》(台北故宫博物院藏)，南宋流行的“烧香、点茶、挂画、插花”均有体现（图片来自网络）

插花的雅兴，也有节庆的助推之功。宋代每年春天都会举办盛大的“花朝节”，《梦粱录》记载：“仲春十五日为花朝节，浙间风俗，以为春序正中，百花争放之时，最堪游赏。”花朝节出门赏花的市民往往万人空巷。而宋后，花朝节则逐渐趋于沉寂。

南宋宫廷画师李嵩，绘有一套《花篮图》，分为春夏秋冬四幅，其中《夏花篮图》现收藏于北京故宫博物院，《冬花篮图》现收藏于台北故宫博物院，《春花篮图》流落于日本，《秋花篮图》则已经失传。有人说，李嵩的《花篮图》是世界上最早的静物画。这种说法尚无定论，但透过这套写实性很高的图像，我们可以观察宋人是如何以竹篮为器皿、四季花草为配材来完成一件插花作品的。

李嵩 《花篮图》之《夏花篮图》 

在《夏花篮图》中，插花师用夏天盛放的大朵蜀葵作为主花，栀子花、石榴花、含笑、萱草为配花，衬绕于旁边。竹篮也编织得非常精巧，与花卉相得益彰。

|花卉  静默如迷

在西方世界，起始于17世纪荷兰的静物画中，瓷器、花卉、蔬果成为艺术家们普遍描摹和表现的对象。这一时期，诞生了很多以花卉为题材的画作。这些静物画在今天看起来，有些雷同，加上上世纪80、90年代，中国家居市场上琳琅满目的各种相似样貌的装饰画，也让它们看起来有些陈旧和乏味。

但在当时，借由花朵的美丽、脆弱和生命短暂，比喻人类转瞬即逝的生命和对物质无意义的追求，是这类花卉画共同的创作理念。荷兰盛产鲜花，艺术家们用日常生活中最习以为常的事物进行艺术表达，当然是很自然的选择。尽管看上去比较雷同，但在不同艺术家笔下，对花卉的表达也有很多层次微妙的处理和差异，值得细细品味一番。

大安布罗休斯·博斯查尔特，《瓷瓶中的花》，约1618年，板面油画，64×46cm，海牙，莫瑞泰斯皇家美术馆

大安布罗休斯·博斯查尔特《瓷瓶中的花》    和许多荷兰、佛兰德斯画家一样，大安布罗休斯·博斯查尔特最擅长表现的题材就是花卉。《瓷瓶中的花》是他去世前两年所作，鲜花细节和形态栩栩如生。有意思的是，在这幅画里，艺术家将花嵌入圆形窗龛。鲜花背后，烟雾蒙蒙、深不可测的世界，正在向远方延伸。艺术家觉得鲜花明艳美丽，是我们可以掌控的事物，而外面的世界广袤无垠，远非我们可以控制。画家的表达超越了感官意义。此外，艺术家还以贝壳装饰窗龛，将鲜花装入雕塑般的花瓶，除此之外，他对窗外的建筑、风景、礁石也投入了很大笔力。鲜花绚烂开放，却终会凋零，唯有贝壳和珠光宝气的花瓶才能超越鲜花而得到永生。然而，只要动动手指，精雕细琢的花瓶也会跌落窗外。博斯查尔特提醒我们，一切物质终将死亡。

扬·戴维茨·德·黑姆 《瓶中花》 图片来自网络

扬·戴维茨·德·黑姆的《瓶中花》就像一个生动的微观世界，以花为主角，还有甘甜的水果和昆虫。与博斯查尔特将鲜花置身于真实世界的背景，德·黑姆笔下的鲜花背景几乎是全黑的，他以更精细的笔调刻画对象，光滑瓷瓶上的高光部分为整幅画面打开了连接外部世界的窗口，蝴蝶、毛毛虫和叶子就像在蠕动，为画面增添了生命的动感。瓷瓶中清晰可见的植物根茎映衬出清澈干净的泉水。

扬·凡·海瑟姆，《瓶中的蜀葵和其他花》，约1702-1720年，布面油画，62×52cm，伦敦，英国国家美术馆

扬·凡·海瑟姆《瓶中的蜀葵和其他花》    扬·凡·海瑟姆是阿姆斯特丹最有名的花卉画家之一，这幅作品带来的巨大视觉享受让他实至名归。这幅画的构图有种建筑构图的逻辑性。左边的蜀葵争相开放，花朵上方还有一串花骨朵，另一边野花稀稀落落地与蜀葵构成平衡，稀有的郁金香，边缘褶皱呈深红色。冷紫色的小花半隐半现在黑暗中，康乃馨和卷心菜般的叶子上，可以看到一两只小虫。整幅画面体现出一种典雅矜持的美感和一派松弛轻松的惬意。

让-巴蒂斯特·莫努瓦耶,《鲜花与水果》,17世纪晚期，布面油画 图片来自网络

让-巴蒂斯特·莫努瓦耶《鲜花与水果》    在法国，如果说莫努瓦耶是法国17世纪最伟大的静物画家，《鲜花与水果》这幅作品就是最好的证明。他的静物画风格创意大胆独特，这幅画作中没有插满鲜花的花瓶，鲜花凌乱地铺在石台上,边缘闪着光芒，两根流苏垂了下来。鲜花和水果不是静静地摆好，而像从一个翻掉的碗里散落了出来。

|生命的自传

雷杜德花卉作品

雷杜德花卉作品 图片来自网络

雷杜德——艺术界的植物学家    雷杜德堪称“艺术界的植物学家”，他自幼出身艺术世家，祖父、父亲都是画匠。这份家族遗传基因让他自小表现出很高的绘画天赋。他13岁开启艺术生涯，23岁，师从植物学家查尔斯-路易斯·埃希蒂尔·德布鲁戴尔（1746-1800年），系统掌握了植物在形态方面的特点，为他此后的植物插画奠定了基础。他笔下的花卉惟妙惟肖，精准唯美。而在他所有描绘的花卉中，玫瑰和百合尤为精彩。

雷杜德最为世人所知的作品是举世闻名的《玫瑰圣经》。他曾为近50部植物学著作绘制插画图，创作了2100幅植物图谱，涵盖1800种不同品种，其中就有许多在雷杜德描绘之前不为人知的稀有品种。1840年6月20日，雷杜德在工作台上观察一朵百合花时不慎摔倒而离世，享年81岁，度过了自己单纯优雅的一生。

梵高，向日葵   图片来自网络

梵高，鸢尾花   图片来自网络

梵高——绝望中开出的生命之花     在《渴望生活》一书中，欧文·斯通认为，最能打动读者的不是名人深厚的成就和辉煌，而是他们追求和探索的过程。梵高作为艺术家的一生，无疑是具有悲剧色彩的。但是他38年的生命，自始至终，一如他笔下的向日葵一般，燃烧着浓烈奔放的激情。梵高笔下的向日葵代表的不只是单纯的生命热情，也包含了艺术家承受的，来自生活的贫穷，精神的挣扎、压抑和孤独。正是在这种绝望的挣扎中，依然涌动出的珍贵的生命之花，让人们为之动容。

莫奈，睡莲系列， 图片来自网络

莫奈，睡莲系列， 图片来自网络

莫奈，睡莲系列， 图片来自网络

莫奈，睡莲系列  大都会艺术博物馆

莫奈——池中的睡莲    向日葵之于梵高，正如睡莲之于莫奈。从艺术家选择的花上，也可以看到艺术家截然不同的性格。梵高倾其一生都要燃烧自我，绽放生命的光和热，对生活全情投入。与之相比，莫奈则要文雅、冷静、抽离许多。《睡莲》系列，是莫奈的艺术巅峰之作。莫奈在43岁时，开始在吉维尼定居，在他居住的庭院的池塘里繁殖了许多睡莲，这一池莲花成为他晚年描绘的主要对象。他曾说：“普天之下能引起我兴趣的，只有我的画和我的花。”

乔治亚·欧姬芙作品   图片来自网络

乔治亚·欧姬芙作品   图片来自网络

乔治亚·欧姬芙作品   图片来自网络

乔治亚·欧姬芙——如花般柔韧强大  乔治亚·欧姬芙生于1887年，1986年逝世，是1920年代美国艺术家的杰出代表。她堪称艺术史上，一位真真正正活出了自我的艺术家，“无论别人怎么看我，我依旧如故”。欧姬芙以花卉画著称，她喜欢将花蕊局部放大，很容易令人联想到女性的性器官，这种看法和联想一直让奥基弗非常不悦。她认为，自己的确是画了花朵的生殖器官，但令她真正着迷的是植物的结构和呈现出的那种复杂的怪异感，她将巨大的花推到我们面前，你不得不正视，这样的画面让你对习以为常的花感到既熟悉，又陌生。

安迪·沃霍尔作品

安迪·沃霍尔作品

安迪·沃霍尔也画花    安迪·沃霍尔也画过很多花卉品种，他于1964年创作的花卉油画系列，其生动鲜活的色彩和形式一新的样貌，令其成为沃霍尔绘画作品的巔峰之作。

花在人类世界中有许多含义。佛教徒以花供佛，花中有三千大千世界；面对故去和正处于病痛中的人，人们总是手捧鲜花，带去惦念和祝福；面对人间喜悦，我们也以花庆贺，希冀更好的未来。这个春天，嗅觉的感官暂时被关闭，愿这繁花的丰盛疗愈你的双眼！